Appel à contribution pour la revue Marges: Journée d’études « L’art avec (ou sans) le marché de l’art »

Appel à contribution / Call for papers (see below)

Marges. Revue d’art contemporain, n° 28

Journée d’études « L’art avec (ou sans) le marché de l’art »

Le marché de l’art a connu une croissance extrêmement forte ces dernières décennies, au point de douter de tout retournement de tendance. Le secteur de l’art contemporain est au cœur de ce phénomène et il semble particulièrement nourrir les appétits d’investisseurs pour qui la valeur de l’art échapperait par nature aux fluctuations ordinaires de l’économie. Bien entendu, il est difficile de croire que de telles valeurs soient dotées de propriétés magiques : si le marché de l’art s’envole, ce n’est pas pour des raisons purement artistiques mais plutôt à cause d’un ensemble de facteurs, au premier rang desquels la spéculation économique. Parce que l’argent possède une place centrale dans l’imaginaire collectif, la question se pose de savoir s’il est encore possible de parler d’art sans mentionner les sommes importantes qu’il requiert. Comment s’articule la relation entre la cote marchande d’un artiste et sa valeur esthétique ? Il est difficile en effet de croire que l’évolution récente du marché de l’art soit sans conséquences sur les positionnements au sein d’un champ de l’art où les inégalités de revenus et de positions sont aussi importantes. Cela amène inévitablement à se demander si la valeur (esthétique) d’un artiste est réductible à sa cote sur le marché.

Le développement hyperbolique du marché de l’art contemporain a des conséquences sur les postures et les pratiques de la plupart des acteurs du champ, à commencer par les artistes eux-mêmes. Autrefois, nombre d’entre eux professaient de mépriser le commerce de l’art ; c’était même l’une des ritournelles bien connues de la Bohème. Ces dernières années, la situation a semble-t-il changé : bien qu’il y ait toujours autant d’artistes dépourvus de ressources, certains d’entre eux choisissent de mettre en scène leur train de vie et leur bonne fortune. Cette posture n’est pas sans écho dans l’histoire ancienne de l’art, mais elle tranche largement avec l’éthos puritain de la modernité. De fait, le succès commercial n’est plus vu comme un gage de médiocrité et/ou de trahison, notamment par les critiques, conservateurs, commissaires et historiens de l’art. À titre d’exemple, les dossiers de presse des galeries ont acquis une valeur qui dépasse la simple information et chacun s’empresse de relayer leur contenu. Certaines de ces galeries occupent une position dominante, à égalité avec les principales institutions artistiques, dans la programmation des grands événements (foires, expositions rétrospectives).

Que faut-il en penser : le marché est-il réellement devenu le prescripteur principal des valeurs artistiques ? Sommes-nous arrivés à une situation où il devient impensable de s’opposer à un système dont tout le monde ne bénéficie pas mais qui continue d’exercer un attrait important sur les artistes – et jusque sur l’économie néo-libérale qui valorise fortement les valeurs liées au monde de l’art ? Le marché détermine-t-il l’évolution des productions artistiques, comment et par quels relais ?

Axes de réflexion possibles :

— Les effets de la croissance du marché de l’art sur les pratiques artistiques ;

–– La relation entre le marché, la programmation des institutions et l’élaboration des textes critiques… ;

–– L’évolution du marché de l’art au cours des dernières décennies. Sa condition contemporaine ;

— Les différents secteurs du marché de l’art, leur création et évolution récente ;

— Les pratiques (d’artistes, de théoriciens, de critiques ou d’activistes) qui cherchent à créer des alternatives au marché de l’art ;

— Les relations économiques au sein du monde de l’art ;

— La question de la pression exercée par l’argent et la quête de visibilité dans l’enseignement supérieur en art ;

— Les questions économiques comme sujet de création artistique.

Modalités :

Cet appel à contribution a pour finalité une journée d’étude et une publication au sein d’un numéro thématique de Marges. Les propositions devront nous parvenir sous forme d’une problématique résumée (5000 signes maximum, espaces compris) avant le 1er décembre 2017, par courriel à jerome.glicenstein@univ-paris8.fr.

Les textes sélectionnés (en double aveugle) feront l’objet d’une journée d’études qui aura lieu le 24 février 2018 à Paris, à l’INHA. Pour ceux qui auront été retenus, le texte des interventions sera à transmettre avant le 15 février 2018 (40 000 signes espaces compris). Les textes seront susceptibles d’être publiés dans le numéro 28 de Marges qui paraîtra en mars 2019.

La revue Marges (Presses Universitaires de Vincennes) fait prioritairement appel aux jeunes chercheurs des disciplines susceptibles d’être concernées par les domaines suivants : esthétique, arts plastiques, études théâtrales ou cinématographiques, musicologie, sociologie, histoire de l’art…

 

Symposium: “Art with (or without) the art market”

The art market has steadily increased in last decades, up to a point where many observers tend to doubt it could ever go back to its initial state. Contemporary art is at the centre of this phenomenon and seems to be feeding the appetites of investors for whom art value escapes by its very nature the ordinary fluctuations of general economic tendencies. It is however difficult to believe that such values are adorned with magic properties: if there is an art market boom, it is not for purely artistic reasons and it has more to do with a group of factors, the most important being economic speculation. Knowing that money has a central role in the imagination of most people, the question has to be asked whether it is still possible to talk about art without mentioning the vast sums it requires. How does the relation between monetary and aesthetic evaluation function? It is indeed difficult to believe that the art market’s recent growth is without consequences on positions within a field of art where income and social positions inequalities are so important. This leads inevitably to questions regarding the relations between aesthetic value and market listings.

The hyperbolic development of the contemporary art market has consequences on the postures and the practices of most of players of the field, beginning with the artists themselves. In the past, quite a few used to ostentatiously despise the art market; it was one of the well-known postures of Bohemia. In recent times this situation seems however to have changed: if there is still a large number of poor artists, others choose to stage spectacularly their luxurious way of life and good fortunes. This posturing evokes ancient art history, and at the same time it contradicts largely modernity’s puritanical ethos. In any case, one must admit that commercial success is no longer seen as a sign of mediocrity and/or treason by critics, art historians, museum and exhibition curators. Press releases issued by commercial galleries have for example gained a respectability that goes well beyond plain information and everyone strives to spread around their content. Some galleries occupy a central position in the art world, at the same level as the main artistic institutions, and it can be seen in the way major events are programmed (art fairs, retrospective exhibitions).

What should one think of this situation: has the market really become the main arbiter of artistic values? Have we reached a point where it becomes unthinkable to oppose a system that does not benefit to all but which continue to attract artists – and up to the neo-liberal economy which strongly increase the values linked to the art world ? Does the market determine the evolution of artistic practices, how and by which ways?

Possible axes of reflexion:

— The effects of the art markets’ growth on artistic practices;

— The relation between the market, institutions programming and the elaboration of critical texts…;

— The evolution of the art market in recent decades. Its contemporary condition;

— Different sections of the art market; their creation and recent evolution;

— Practices (by artists, theoreticians, critics or activists) that seek to create alternatives to the art market;

— Economic relations within the art world;

— The question of the pressure made by money and the need of visibility in higher education in art;

— Artistic creation informed by economic topics.

This call for papers will lead to a symposium and a publication as a thematic issue of the art journal Marges. Propositions should be sent in the form of an abstract explaining the topic of the paper (800 words maximum), before December 1st, 2017, by email, at the following address: jerome.glicenstein@univ-paris8.fr

Selected propositions (by double blind reviews) will participate in the symposium on February 24th, 2018, at INHA in Paris. The selected texts will have to be transmitted before 15 February (6500 words maximum) and they might be published in Marges #28, released in March 2019.

Marges (Presses Universitaires de Vincennes) emphasizes the work of young scholars of fields concerned by themes such as aesthetics, fine arts, theatre and film studies, musicology, sociology, art history, etc.

Journée d’études : « L’INTERNATIONALE DE LA PHOTOGRAPHIE SOCIALE » (3 MARS 2017, INHA)

L’Internationale de la photographie sociale

Les réseaux transnationaux dans le Paris des années 1930

 

Lieu : INHA, Salle Vasari, premier étage

2, rue Vivienne, 75002 Paris

9h30 – 17h30

Organisé par Damarice Amao et Christian Joschke

L’arrivée d’une jeune génération de photographes venue de toute l’Europe a inscrit le Paris des années 1930 dans des réseaux internationaux de la photographie sociale. Aussi furent éditées, vues et discutées les productions visuelles de nombreux pays. Les photographes furent associés aux organisations culturelles de la gauche internationaliste et anticolonialiste, contribuant à faire de Paris tout à la fois une caisse de résonance des transformations du monde et un haut-lieu de débats sur les rapports entre les images et la politique.

Cette journée d’étude s’inscrit dans la suite de celle du 25 mars 2016 sur la « photographie comme arme de classe » et s’intéressera tout particulièrement aux circulations transnationales et aux transferts culturels dans la gauche des années 1930.

Télécharger ici le programme détaillé

Matin

9:30 Introduction : Damarice Amao & Gabrielle de la Selle

Modération : Bernard Lebrun

10:00 Gwenn Riou : Les théories soviétiques sur l’art en France dans les années 1930. Diffusion, réception, réadaptation.

10:30 Max Bonhomme : Le photomontage en France dans les années 1930, identités politiques et transferts culturels

11:00 Pause

Modération : Damarice Amao

11:15 Béla Albertini : The photo group of the Hungarian Munka-kör (Work-circle) 1930-1932

11:45 Fedora Parkmann : Aspects internationaux de la photographie sociale en Tchécoslovaquie

12:15 Karolina Lewandowska : Brassaï et la « sensibilité sociale »

12:45 pause

Après-midi

Modération : Françoise Denoyelle

14:00 Kerstin Meincke : Germaine Krull and the Media Configuration of « World Art »

14:30 Lorraine Audric : Devenir photographe. Gisèle Freund et le monde communiste dans les années 1930

Modération : Christian Joschke

14:45 Sarah Frioux-Salgas : La presse panafricaine anticolonialiste à Paris dans les années 1920-1930. Description d’un corpus

15:15 Julie Jones : Vers une image « authentique » de l’Afro-Américain ? Usage de la photographie documentaire dans laNegro Anthology (1934).

15:45 pause

Archives

16:00 Hendrik Ollivier : Les collections photographiques d’Amsab-Institut d’histoire sociale

16:30 Eric Lafon : La photographie sociale, amateur et professionnelle du Front populaire en banlieue. L’exemple de Marcel Cerf, France Demay, Jan Renard et anonyme

17:00 Conclusion

Cette journée d’étude est organisée dans le cadre du projet « Captures du monde social. Photographie sociale et documentaire des années 1930 », mené conjointement par le HAR EA 4414 (Université Paris Ouest – Nanterre – La Défense), le EPHA EA1040 (Université Paris 8) et le Centre Pompidou. Elle bénéficie d’une aide de l’ANR au titre du programme Investissements d’avenir (ANR-10-LABX-80-01).

Légende du visuel : Carlo Rim et Maximilien Vox, Tout est foutu, édité par VU, Paris, 23 avril 1932, p. 25.

Journée d’études de la revue Marges: Instrumentalisations de l’art, 25 février 2017, INHA, Paris

Le couple problématique de l’instrumentalisation et de l’autonomie de l’art a été au cœur des enjeux de la modernité artistique. À cet égard, la période 1960-1980 a représenté un basculement. D’une part, dans le sillage du débat postmoderniste, nombre d’artistes et de théoriciens ont promu une conception de l’art comme activité nécessairement investie dans la réalité vécue, sociale, politique. D’autre part, avec la fin de la guerre froide et la globalisation économique, les stratégies traditionnelles d’instrumentalisation politique de l’art nous paraissent, à tort ou à raison, s’être raréfiées. De ce fait, la question de l’instrumentalisation de l’art semble s’être déplacée au cours des dernières décennies du terrain politique au terrain économique. Pour autant, les pouvoirs publics sont loin d’avoir délaissé l’idée d’un usage politique de l’art, même s’il prend des formes plus neutres idéologiquement qu’auparavant : l’investissement dans l’art et ses institutions s’intègre à des stratégies globales pour améliorer l’aménagement, l’attractivité et la compétitivité économique d’un territoire.

La notion d’instrumentalisation ne doit pas cependant être envisagée seulement sous l’angle de la manipulation et opposée naïvement à la liberté créatrice de l’artiste. D’une part, les acteurs du champ artistique, s’ils contestent régulièrement ces formes d’instrumentalisation, peuvent aussi les accompagner voire les initier. Ainsi, l’intervention dans l’espace public ou la mise en œuvre d’activités aux retombées sociales ou économiques affichées sont pour les musées comme pour les artistes un moyen de légitimer leur existence. D’autre part, la défense d’une pure autonomie de l’art (telle que la concevait le formalisme le plus strict) semble aujourd’hui impossible et de nombreux artistes promeuvent plutôt le principe d’une instrumentalisation critique de l’art. Au-delà de la formule traditionnelle d’« art engagé », des propositions théoriques plus ou moins novatrices en faveur d’un investissement social ou politique de l’artiste ont connu un certain succès au cours des dernières années (esthétique relationnelle, critique institutionnelle, etc.). Toutes ces pratiques invitent repenser la question des fonctions sociales de l’art et à complexifier l’opposition entre autonomie et instrumentalité, si l’on veut conserver sa valeur heuristique pour l’art contemporain.

Programme

Journée doctorale histoire de l’art contemporain « Transversalité(s) » 25 janvier 2017, Université de Grenoble

La journée doctorale Transversalité(s) propose de croiser les approches et regards de jeunes chercheurs en histoire de l’art au prisme d’une notion qui est interrogée depuis quelques années dans les sciences humaines. En 2011, l’enseignement de la discipline et sa nécessaire évolution sont au coeur de la réflexion du séminaire organisé par l’Institut National d’Histoire de l’Art sur « La transversalité en histoire des arts : réalités et mises en oeuvre ». Des manifestations scientifiques posent cette question ou en sont parfois tributaires, comme le « Séminaire de la transversalité Images-sons-mémoire » mis en place par le Laboratoire Historique Rhône-Alpes, lequel développe également des « Ateliers transversaux ». Les publications relèvent du même élan, l’année 2016 étant marquée par la parution de deux ouvrages significatifs. Histoires sociales de l’art, une anthologie critique réunit une somme de textes en partant de l’idée que l’histoire de l’art « est une histoire, mais elle a aussi sa ou ses histoires, et doit aussi être (re)lue et pratiquée à la lumière des contextes, divers, foisonnants, parfois instables, qui la situent et la justifient ». Bertrand Tillier et Philippe Poirrier font paraître de leur côté Aux confins des arts et de la culture. Approches thématiques et transversales, XVIe-XXIe siècle dégageant l’axiome selon lequel les arts « doivent être appréhendés par des disciplines qui, si elles possèdent chacune leur histoire, leurs outils et leur forme d’écriture, s’enrichissent aussi de croisements et de dialogues méthodologiques».
Les doctorants en histoire de l’art contemporain des Universités
d’Aix-Marseille, Lyon et Grenoble réunis pour cette journée souhaitent questionner à leur tour cette notion de transversalité. Une multitude de sujets seront explorés, croisant les approches, les corpus, les notions et les échelles, les périodes et les formes et amenant à saisir dans leur complexité l’histoire de la création, de la diffusion et de la réception de l’art.

Programme de la journée

Résumés des interventions

Journée d’études: La « crise » de l’art. Débats sur l’état des Beaux-Arts dans les milieux artistiques, de la Belle époque à la Seconde Guerre mondiale. Grenoble, 24 mars 2016

La « crise » de l’art ? Débats sur l’état des Beaux-Arts dans les milieux artistiques français, de la Belle époque à la Seconde Guerre mondiale

Programme

Organisateurs : Alain Bonnet, Anne-Sophie Aguilar, Juliette Lavie, Gwenn Riou.

Au cours du premier XXe siècle, la question de la « crise de l’art » semble être devenue un topos des milieux artistiques français. Déjà en 1905, Charles Morice s’interrogeait, dans l’introduction de sa célèbre « Enquête sur les tendances actuelles des arts plastiques » publiée dans le Mercure de France, sur « le trouble profond » ressenti par les artistes : « Nous sommes au lendemain de quelque chose. Sommes-nous à la veille de quelque chose ? » Le critique décrit-il une situation de « crise », terme emprunté au vocabulaire médical qui définit une « manifestation brusque et intense de certains phénomènes, marquant une rupture, (…) mais pendant une période limitée, et laissant prévoir un changement généralement décisif, en bien ou en mal, dans l’évolution d’une maladie[1] » ? Si tel est le cas, quelle serait cette maladie dont souffrirait l’art français au début du siècle ? En 1905, Charles Morice évoque la « cécité » de ses contemporains. L’année suivante, Camille Mauclair développe dans Les trois crises de l’art actuel une analogie similaire : « Après le grand coup de soleil de l’art impressionniste, toute l’école française semble avoir mis sa main sur ses yeux. » Les deux critiques font le même constat : celui de l’aveuglement de l’art moderne consécutif à l’éblouissement impressionniste.

Nombreux sont les auteurs qui, au cours du XXe siècle, s’intéressent à ces phénomènes de « crise », apparemment indissociables de l’histoire de l’art moderne. La Première Guerre mondiale marque un jalon dans ces débats. On dénonce, au sortir de la guerre, une « crise de l’individualisme », voire du romantisme ou de l’idéalisme, qui aurait conduit au désordre et au chaos. Cependant, en même temps que se développent les thèmes de la décadence ou du déclin – en partie inspirés par Oswald Spengler et son ouvrage Le Déclin de l’Occident reçu en France entre 1931 et 1933 –, de nombreux acteurs du champ artistique pensent assister à l’issue de la crise à la fin des années 1930. Ainsi, Waldemar George déclare dans L’Art et les Artistes, à l’occasion de l’Exposition internationale de 1937, que « la crise de l’Art français est résorbée ». Ce partisan du retour à la tradition, heureux de constater la défaite de « l’esprit d’avant-garde », se félicite de voir éteinte « la foi dans le progrès », à l’origine selon lui de tous les maux de l’art moderne. Dans les mêmes pages, Yvanhoé Rambosson oppose également tradition et avant-garde, mais pour conclure au triomphe de la seconde, alors représentée au sein de l’Exposition par Picasso, Léger, Delaunay ou Le Corbusier. Ces constats diamétralement opposés, mais tout aussi convaincus, posent la question de la nature – voire de la réalité même – de la « crise » de l’art débattue durant le premier XXe siècle.

Pour amorcer la réflexion sur l’annonce, l’existence et la forme qu’aurait pris la « crise » de l’art, nous proposons de nous appuyer sur trois grandes enquêtes parues dans l’entre-deux-guerres. « Quelques opinions sur l’art français contemporain[2] », publiée en 1937 dans L’Art et les Artistes, permet une remise en perspective historique de la notion de « crise », à l’aune des débats de la critique indépendante à la Belle époque. Dans les années 1930, les opinions exprimées dans cette enquête, pour la plupart confiantes en la santé de l’art national, révèlent l’intensité des débats opposant collectivité et individualisme, ce dernier étant vécu comme le principal obstacle à l’unité de l’art français. L’affirmation de cette dimension collective – tant du côté des avant-gardes que des partisans du retour à la tradition – semble alors l’emporter sur le mythe de l’indépendance de l’artiste, ardemment défendu par les plus influents critiques de la fin du XIXe siècle.

La deuxième enquête interroge plus précisément la nature de cette crise. Au cours de l’année 1933, L’Art vivant pose une question en deux temps : « Mort de la peinture ? Retour au classicisme[3] ? » Plus que de la peinture elle-même, c’est de la peinture d’histoire dont il s’agit ici. L’Art vivant soumet à ses interlocuteurs, essentiellement des sculpteurs, architectes et peintres, le problème de la crise du sujet, souvent relié à une crise de l’enseignement des Beaux-Arts. La « crise de la peinture » dissimulerait une crise même du métier, des savoirs faire du peintre, à l’heure où les liens entre les arts se redéfinissent. Quoique l’enquête se situe toujours sur le terrain esthétique, elle permet d’envisager une éventuelle crise des structures du champ artistique et d’interroger le rôle que les artistes souhaitent attribuer à l’Etat dans l’élaboration de solutions efficaces. Néanmoins, il semble que la « crise de l’art » demeure, sous la plume des personnalités convoquées, une question essentiellement esthétique, nonobstant les difficultés matérielles – alors bien réelles – des artistes.

Bien qu’animée par une ligne éditoriale idéologiquement bien différente, la revue Commune se pose en 1935 une question similaire : « Où va la peinture[4] ? » demande l’organe de l’Association des Ecrivains et Artistes Révolutionnaires (AEAR), proche du Parti communiste français. La crise, conçue comme une rupture transitoire, pose inlassablement la question du sens. Les réponses publiées interrogent le rapport entre l’art la révolution prolétarienne, la peinture apparaît alors comme un moyen d’action sociale. Le thème du réalisme, ou du moins de la figuration, omniprésent dans cette enquête, renforce l’idée qu’il faut placer l’Homme au centre des débats artistiques, de la même façon que, selon le PCF, le peuple doit être placé au centre du débat politique. Cependant, il ne faut pas voir dans cette enquête une simple transposition des idées du Parti communiste dans le domaine de la peinture, mais plutôt une réflexion sur la condition de l’artiste et sur le sens qu’il donne à sa pratique dans ces années 1930.

Ces trois enquêtes permettent d’éclairer d’une pluralité de points de vue la question de la « crise de l’art français » et de son éventuelle issue. Dans L’Art et les Artistes, Magdeleine Dayot donne la parole à Waldemar George, Yvanhoé Rambosson, Marcel Gromaire ou à Marius-Ary Leblond ; L’Art vivant, dirigé par Florent Fels et Jacques Guenne, charge Armand Pierhal de solliciter Jacques-Emile Blanche, André Lhote, Maurice Denis ou Charles Despiau ; Commune, enfin, ouvre ses colonnes aux opinions des principaux représentants des avant-gardes comme Amédée Ozenfant, Fernand Léger, Max Ernst ou encore Alberto Giacometti, dans une série de « conversations » animées par Jean Cassou, René Crevel et Louis Aragon. Ainsi, en se concentrant sur la forme littéraire de l’enquête, cette journée d’études propose d’examiner un faisceau de réponses qui seront autant d’hypothèses susceptibles d’interroger la supposée « crise » de l’art français, de la Belle époque à la Seconde Guerre mondiale, et de donner une nouvelle dimension aux ouvrages qui évoquent l’actuelle crise de l’art contemporain.

[1] Définition « Crise », Trésor de la langue française.

[2] « L’actualité et la curiosité ; Quelques opinions sur l’art français contemporain », L’Art et les Artistes, nouvelle série, novembre, décembre 1937, janvier, février, mars 1938.

[3] « Une grande enquête de L’Art vivant, par Armand Pierhal. Mort de la peinture ? Retour au classicisme ? », L’Art vivant, avril, mai, octobre 1933.

[4] « Où va la peinture ? », Commune, n° 21-22, mai-juin 1935.

COMPTE RENDU DE LA JOURNÉE D’ÉTUDE: L’ŒIL ET LA MAIN, LA TAPISSERIE ENTRE HISTOIRE ET CRÉATION par Nolwenn Chauvel et Ketty-Laure Païta.

Afin de vous faire partager les travaux des enseignants-chercheurs et étudiants, nous vous proposons la lecture du compte-rendu de cette journée d’étude organisé par Telemme dans le cadre « La Recherche et la Cité », réalisé par Nolwenn Chauvel et Ketty-Laure Païta, étudiantes en Master I Histoire de l’Art Contemporain sous la direction de Rossella Froissart.

L’ŒIL ET LA MAIN, LA TAPISSERIE ENTRE HISTOIRE ET CRÉATION.
MARDI 10 MARS 2015, AU MUSÉE DES TAPISSERIES, LABORATOIRE TELEMME
« LA RECHERCHE ET LA CITE », RENCONTRES ORGANISÉES PAR LE LABORATOIRE TELEMME, « LA CULTURE COMME PROJET ».
Michel-Édouard Bellet, conservateur en Chef du patrimoine, Directeur des musées et du patrimoine culturel de la ville d’Aix-en-Provence, ouvre le séminaire en accueillant l’auditoire et les intervenants. Maryline Crivello, directrice de l’UMR 7303, AMU-CNRS, TELEMME précise l’objectif des journées TELEMME, La Recherche et la Cité. Nées il y a deux ans, leur but est de sortir du laboratoire, de se délocaliser en ville. Le laboratoire TELEMME (UMR) est composé de plusieurs dizaines de chercheurs de l’Université Aix-Marseille et du CNRS. Il est pluridisciplinaire et les axes abordés y sont thématiques – le séminaire du 10 mars aborde La culture comme projet, lien entre recherche et musée. La collection du musée représente un patrimoine mais les archives éclairent tout autant le chercheur qui participe ainsi à l’interprétation de l’œuvre.

Objet de prestige, reflet des courants artistiques du Moyen-Âge jusqu’à aujourd’hui, chaque tapisserie exige à la fois le talent d’un artiste et le savoir-faire d’un lissier, nouant ainsi un lien étroit entre art et artisanat. L’après-midi d’étude qui s’est déroulée au Musée des Tapisseries d’Aix-en-Provence, le 10 mars 2015, interroge cette relation entre artisanat et art à travers les métiers du textile.

La première intervention, réalisée par Bruno Ythier, avait pour but de présenter la Cité internationale de la tapisserie et de l’art tissé à Aubusson (Creuse) dont il est le conservateur. Héritiers d’une longue histoire de confection de tapisseries, les élèves de cette école continuent de perpétuer la tradition en apprenant l’art du tisserand. La tapisserie y est une filière professionnelle qui est toujours en place depuis plus de cinq siècles et demi.
En 1884, ouvre l’École nationale des Arts décoratifs (ENAD) puis se produit la brève aventure du premier musée mais la ville n’adhère pas à ce projet et, faute des réparations nécessaires, il finira par être démoli. À partir de 1933, des projets d’agrandissement de l’ENAD sont envisagés mais en vain. André Chandernagor, ancien ministre des Affaires européennes et proche du maire d’Aubusson, décide, en 1978, d’ouvrir un centre culturel et artistique dont Jean Lurçat sera le maître d’ouvrage. Le musée ouvre, en 1982, mais n’abrite aucune collection. Quatre projets vont avorter jusqu’en 2006 et, l’année suivante, l’Etat annonce la fermeture de l’ENAD.
Le sous-préfet d’Aubusson a l’idée de monter un projet pour l’UNESCO en 2009 inscrivant ainsi le savoir-faire de la tapisserie d’Aubusson dans le patrimoine culturel de l’humanité. L’année suivante voit la naissance du projet de la Cité internationale et la gestion du musée et de ses collections est déléguée à un syndicat mixte, en 2011. Un vaste projet voit le jour autour de deux axes. Le premier est un axe de développement, constitué d’un volet patrimonial (fonds du musée, collection de l’école), d’un volet de création contemporaine et d’un volet de formation (formation professionnelle continue sur deux ans). Le deuxième axe est celui de l’immobilier. En 2012, un concours international d’architecture est mis en place et le bâtiment d’origine est modifié suivant un programme architectural qui met en scène la tapisserie. Sa façade, habillée de lignes verticales faites de membranes textiles multicolores et de lames de bois, fait référence au métier et au fil utilisé dans le tissage. L’État et la ville d’Aubusson collaborent par des commandes publiques d’œuvres. On trouvera dans ce musée des collections pédagogiques, une bibliothèque de douze mille livres, une collection de quatre-vingt grandes tapisseries démarrée dans les années 1980 ainsi que la collection d’art graphique. Le chantier devrait être achevé à la fin de 2015 et l’ouverture est prévue pour le printemps 2016.
La ville attire également des artistes à la renommée internationale qui viennent appliquer leurs talents à la tapisserie car le projet de la Cité internationale de la Tapisserie est non seulement de former de nouveaux artisans, mais aussi de récompenser les nouveaux créateurs. Plus largement, l’objectif est de promouvoir la tapisserie contemporaine dans le patrimoine artistique mondial. C’est dans ce cadre que la Cité internationale de la Tapisserie convie de jeunes artistes – mais aussi certains autres à la renommée déjà assise – à proposer leurs créations pour les produire au sein de leurs ateliers. Les tombées de métier donnent lieu alors à un évènement capital dans la vie d’une œuvre tapissée : ce ne sont pas seulement les invités mais l’artiste lui-même, auteur du carton, et celui qui l’a tissé, le lissier, qui découvrent leur ouvrage pour la première fois car la technique d’Aubusson, sur métier de basse lisse, oblige à travailler sur l’envers.
Un exemple de ces artistes qui viennent mettre leur talent au service de la tapisserie contemporaine d’Aubusson est la Peau de Licorne, dessinée par Nicolas Buffe et tissée par Patrick Guillot. Cette iconographie n’a certainement pas été choisie au hasard puisque la tapisserie de La Dame à la Licorne est directement liée à l’histoire d’Aubusson. Il est intéressant de constater que la tapisserie se marie avec d’autres matériaux : les sabots et la tête de l’animal sont en porcelaine de Limoges. Le lissier n’a pas seulement un rôle d’exécutant, il réalise un travail d’interprétation car c’est lui qui marie les nuances de la laine et la brillance de la soie pour rendre un travail parfait.

Bruno Ythier, a mis en exergue, lors d’une seconde intervention (effectuée pour le compte de Mme Nicole Reynès, conservateur général honoraire du Patrimoine, malheureusement souffrante) les différentes techniques de tissage, afin de mieux cerner la complexité et la beauté de cet artisanat. Le tissage mécanique est une invention datant de la fin du XIXe siècle durant la révolution industrielle. Plusieurs techniques de tissage existent telles que la tapisserie au point qui offre un effet de quadrillage. Elle se différencie de la tapisserie de lisse, en général horizontale, composée d’effets de côtes comme sur un velours. On utilise pour la tapisserie des fils de chaîne verticaux et des fils de trame horizontaux. Les matériaux de la trame sont la laine, la soie, les fils d’or ou d’argent ou encore le lin. Quelques effets particuliers peuvent apparaitre tels que le crapautage ou le point d’arrondiment. Il faut savoir que les dégâts du temps sont importants : perte de couleurs, dégradation des soies, usure dans les plis, salissures, pliures.

La Cité de la tapisserie d’Aubusson n’est pas le seul lieu de promotion de cet artisanat. Les recherches menées par Rossella Froissart, Professeur des Université exerçant à Aix-Marseille Université et membre du laboratoire TELEMME (UMR), le démontrent. Elle y a étudié le fonds Madeleine Jarry présent au Pavillon Vendôme. Madeleine Jarry est une historienne de la tapisserie, des arts décoratifs et du mobilier, encore aujourd’hui très reconnue et qui travailla, entre 1976 et 2004, au Pavillon Vendôme. Ces archives bien qu’hétéroclites ont le mérite d’étoffer un peu plus sa bibliothèque et de permettre à la ville d’Aix-en-Provence de rayonner dans le domaine de la tapisserie en attirant de nouveaux chercheurs.

Les recherches menées dans ce domaine par Marie-Lumir Roche, étudiante en Master 2 sous la direction de Mme Froissart, montre une fois de plus l’intérêt croissant des artistes mais aussi des chercheurs pour la tapisserie. L’intervention de Marie-Lumir Roche portait sur les tapisseries et structures contemporaines dans les collections du Musée des Tapisseries d’Aix-en-Provence. L’exposition Tapisseries contemporaines, qui s’est tenue du 2 avril au 1er août 1966, est une des premières expositions de tapisseries contemporaines à Aix-en-Provence. Le fonds du musée devient un centre de documentation impressionnant (revues, catalogues d’exposition, diapositives, etc). En 1968, parait l’ouvrage de Madeleine Jarry La Tapisserie : Des origines à nos jours. Puis, deux ans plus tard, se déroule l’exposition De Matisse à Mathieu, du 20 juin au 30 octobre 1970, constituée de quatorze tapisseries où Madeleine Jarry tient une conférence sur la renaissance de la tapisserie contemporaine. Le Musée des Tapisseries d’Aix-en-Provence doit ainsi promouvoir une nouvelle vision des arts décoratifs et présenter les œuvres actuelles. Cela s’inscrit aussi tout à fait dans la volonté du pavillon Vendôme comme en témoigne la demande de Marie-Henriette Krottoff, en 1970, de faire tisser, pour le Musée des Tapisseries, en direct, une toile de Matisse par un lissier de l’école des Gobelins.

Comme le fait remarquer Christel Roy, responsable du Pavillon Vendôme, l’image tissée tend à perdre de son importance au profit de la structure spatiale et de l’évènement organisé pour la présenter. Aujourd’hui encore, des artistes plasticiens sont régulièrement invités pour faire revivre ce lieu emblématique d’Aix-en-Provence au travers d’installations sur le thème de la tapisserie ou d’expositions comme Tisser des liens qui s’est déroulée du 29 juin au 29 septembre 2013. Les techniques employées utilisent du fil, bien sûr, mais pas exclusivement. Les artistes les plus connues sont Pierrette Bloch, Louise Bourgeois, Annette Messager mais aussi Julie Legrand, Joana Vasconselos, Anne-Marie Pêcheur, Chiharu Shiota. Treize femmes artistes ont été invitées lors de cette exposition. L’art du textile est tout à fait d’actualité, la preuve en est, comme le souligne, lors de son intervention, Valérie Brotons-Bedouk, responsable du musée des Tapisseries, son expression dans les costumes d’opéra du festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence.

Ainsi, la tapisserie garde-t-elle sa place dans les créations contemporaines. Cet artisanat s’est développé et vit de nos jours encore car il a toujours su se renouveler pour rester en osmose avec l’art de notre temps.

Nolwenn Chauvel et Ketty-Laure Païta.

Journée d’étude « Les critiques d’art francophones des années 1880 à l’entre-deux-guerres »

Journée d’étude, 25 juin 2015
Paris, Galerie Colbert, salle Jullian (1er étage)

Les critiques d’art francophones
des années 1880 à l’entre-deux-guerres

Journée d’étude organisée par Anne-Sophie Aguilar, Éléonore Challine, Christophe Gauthier, Marie Gispert, Eléonore Marantz-Jaen et Catherine Méneux.

Programme de recherche du LABEX CAP : Centre Georges Pompidou, Ecole Nationale des Chartes, Les Arts décoratifs, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.
Porteurs du projet : Marie Gispert, Catherine Méneux

En décembre 2016 seront lancés le site internet et la base de données en ligne Critiques d’art. Bibliographies en ligne de critiques d’art francophones, ayant pour objectif de mettre à disposition des chercheurs des bibliographies de critiques d’art, assorties de la littérature secondaire correspondante et d’un référencement des archives disponibles. Le projet vise à un récolement des données sur les critiques d’art pour lesquels la bibliographie a été établie de façon plus ou moins complète. Il devrait ainsi permettre de valoriser la recherche dans ce domaine, de faciliter l’accès aux documents, de fédérer les efforts et de créer des liens entre les chercheurs français et étrangers.
À mi-chemin du travail de référencement, la journée d’études propose un état des lieux de la recherche sur la critique durant la IIIe République ainsi qu’une réflexion sur les implications d’une telle base à la fois interdisciplinaire et prosopographique. La création d’une base de données, non discriminante en terme d’objet d’études, pose en effet la question de la mesure de la qualité et de la valeur du discours critique.
On insistera donc à la fois sur l’interdisciplinarité de notre objet lui-même – les critiques d’art ont généralement abordé tous les arts –, en mettant l’accent sur la critique des arts dits mineurs (photographie, cinéma, arts décoratifs), et sur la diversité nécessaire des approches scientifiques de cet objet, à la croisée des études littéraires, historiques et artistiques.

Programme

9h00 Accueil des participants

9h30 Introduction générale : présentation du programme de recherche et point historiographique
Anne-Sophie Aguilar (Université Paris 1-HiCSA), Eléonore Challine (ENS Cachan), Christophe Gauthier (Ecole Nationale des Chartes-Centre Jean Mabillon), Marie Gispert (Université Paris 1-HiCSA), Eléonore Marantz-Jaen (Université Paris 1-HiCSA), Catherine Méneux (Université Paris 1-HiCSA).

Un objet interdisciplinaire

10h30 : Rossella Froissart (Université Aix-Marseille) : La « machinerie » du critique moderniste : Guillaume Janneau, du cubisme décoratif au renouveau de la tapisserie.

11h00 : Emmanuelle Champomier (IRCAV – Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3) : Apports et limites d’une approche prosopographique de la critique cinématographique.

11h30-11h45 : pause

11h45 : Julien Faure-Conorton (EHESS) : « Pro Domo » : de l’importance de la critique photographique pour le mouvement pictorialiste (1890-1914).

12h15 : Hélène Jannière (Université Rennes 2), Critiques d’art face à l’architecture dans l’entre-deux-guerres : étude de cas.

12h45 Déjeuner

Diversité des critiques

14h30 : Laurent Houssais (Université Bordeaux Montaigne, EA 538 Centre François-Georges Pariset) : André Fontainas (1865-1948), la critique et l’histoire.

15h : Laurent Cazes (Université Paris 1 Panthéon Sorbonne) : L’expérience contre la théorie ; situation des écrits de Jacques-Émile Blanche.

15h30 : table ronde « Enjeux d’une approche prosopographique de la critique d’art dans l’entre-deux-guerres : individus, réseaux, supports »

Yves Chèvrefils-Desbiolles (IMEC), Jean-Marc Poinsot (Université Rennes 2), Hélène Védrine (Université Paris-Sorbonne, CELLF).

Information utile!

Je voulais vous faire partager et porter à votre connaissance les informations précieuses figurant sur le carnet de recherche ACADEMIA.  Destiné plus spécialement aux étudiants et jeunes docteurs, ce carnet regroupe des offres d’emploi, attribution de  bourses, dates des commissions CNU et des campagnes de recrutement…. A consulter régulièrement!

Séminaire : Cycle La Recherche & la Cité – L’œil et la main. La tapisserie entre histoire et création

À la veille d’un changement majeur dans la présentation de la prestigieuse collection du musée aixois, il est essentiel de mettre en lumière l’actualité de la tapisserie et des arts textiles, dans la recherche comme dans la création. Historiens et professionnels du patrimoine donnent les clés pour comprendre les formes diverses d’un art qui, du grand décor des XVIIe et XVIIIe siècles aux installations hybrides des lissiers contemporains, se définit par sa relation étroite au « métier ».

 

Le mardi 10 mars 2015 – Musée des Tapisseries, salle Gabriel Dussurget (1er étage), Aix-en-Provence, 14h-17h30.

Organisation : Rossella Froissart

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Arts et Relations entre les arts

Ce carnet de recherche se propose de mettre en lumière les recherches menées par l’équipe scientifique spécialisée en histoire de l’art moderne et contemporain (Professeurs, maîtres de conférence, chercheurs associés, doctorants). Ce groupe Arts et Relations entre les Arts (AREA) est un axe de recherches du Laboratoire Telemme (CNRS-Aix Marseille Université) et ce carnet a pour ambition de réunir et faciliter les résultats des recherches des membres d’AREA, d’assurer une meilleure visibilité, cohésion et mise à jour des recherches menées dans les champs de recherches tels que: arts visuels des XIXe et XXe siècle, architecture, arts décoratifs, urbanisme et histoire de l’art des jardins XVIe-XVIIIe siècles, histoire de l’art des temps modernes, art et musique, photographie et art conceptuel, liens entre revues et arts.

Recherche en histoire de l'art moderne et contemporain. TELEMME (Temps, Espaces, Langages, Europe Méridionale-Méditerranée) Aix-Marseille Université-CNRS